巴洛克艺术

　　十八世纪巴洛克艺术 (Baroque) 风格

　　巴洛克指的是一种艺术风格。十五世纪末期以后，欧洲各国不断扩展科学新知，产生了许多发明；新航线的发现，证明了地球是一球体，也造成了通商与殖民的兴盛。这种经济扩张运动，使人众的物质生活越来越富有，思想也跟着自由起来。加上伽利略﹝Galileo Galilei﹞、哥白尼﹝NicolausCopernicus﹞等科学家对宇宙天体的研究，引起民间的理性主义抬头，以及教会的创世纪神学系统的松动。因此到了十六世纪，欧洲各地就开始对教会产生质疑，认为原始的基督教清贫素朴的精神已被扭曲，於是这种情形引发出不同形式的宗教改革运动。

　　相对於宗教改革运动，旧有的教会势力，为了维护巩固自身的利益，也发动起反宗教改革运动，以致引起新教与旧教权力之争，加上这时候欧洲各国基本上都属於君主专制的时代，经常为了扩张领土而发生冲突，遂导致后来的英法百年战争发生。

　　艺术发展在这种复杂的局势之下，受到相当大的影响；而民间的理性思考与质疑的精神，也为当时的美学思维发展出一个新的方向。巴洛克﹝Baroque﹞艺术便是在这样的时代背景下，首先产生於旧教中心的罗马，随后即传遍了欧洲及美洲部分地区。

　　巴洛克通常系指西元 1600 年到 1750年之间的欧洲艺术；也代表从十六世纪矫饰主义时期以后到十八世纪洛可可﹝Rococo﹞时期之前的这一段时间的欧洲文化。巴洛克原意指一种变形的珍珠。它的风格特徵是不喜欢单调平板的水平垂直，而是喜好用扭曲多变的缠绕线条，创造出繁复的装饰，以追求强烈的律动感。由於巴洛克艺术强调的是堆砌之美，经常使人目眩，眼花撩乱。巴洛克艺术的风格是承袭自文艺复兴末期的矫饰主义，着重在强烈感情的表现，强调流动感、戏剧性、夸张性等特点。常采用富于动态感的造型要素，如曲线、斜线等，其风格趋向，多少也反映了当时欧洲的动荡局势、不安而丰裕的现实景象。

　　与以前的时代比较，十七世纪是一个各种不同风格同时并存的时代，以当时意大利及西班牙两地为例，当时是矫饰主义、文艺复兴盛期以及巴洛克三种风格，同时并存，不过还是以巴洛克为其主流。

　　巴洛克是17世纪广为流传的一种艺术风格。它的名称由来说法不一，一种说法来自葡萄牙或西班牙语，意思是不圆的珠子；又一说它来自意大利语，有奇特、古怪或推论上错误的含义。总的来说这个名称在当时含有贬意，是18世纪古典主义艺术理论家对于上一个世纪一种艺术风格的称呼。古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。

　　巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛文艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说巴格克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：

　　一、豪华的特色，既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；

　　二、一种激情的艺术，打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；

　　三、极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；

　　四、很关注作品的空间感和立体感；

　　五、艺术的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；

　　六、有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；

　　七、大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。当然一些积极的巴洛克艺术大师不在此例，如鲁本斯、贝尼尼的作品和生活仍然保持有密切的联系。

　　巴洛克艺术产生于16世纪下半期，盛期是17世纪，最早产生于意大利。巴洛克艺术的风格是承袭自文艺复兴末期的矫饰主义，着重在强烈感情的表现，强调流动感、戏剧性、夸张性等特点。常采用富于动态感的造型要素，如曲线、斜线等，其风格趋向，多少也反映了当时欧洲的动荡局势、不安而丰裕的现实景象。

　　建筑方面，装饰华丽，古典的样式和曲式、曲线并用，椭圆形大厅、圆形屋顶颇为常见；注重建筑物四周景观，有广场、庭院、喷泉等的搭配。如着名的法国凡尔赛宫、罗马圣彼得大教堂，就是这时期的代表性建筑物。

　　雕刻方面，富于动感，表现出流畅复杂的戏剧性效果：常和绘画混合应用，并于建筑相结合，成为建筑物内外的装饰，贝里尼（BERNINI）为圣彼得大教堂所做的雕像即为代表。

　　绘画方面追求画面动感，常出现对角线、弧线等构图方式；并运用明暗对比老描写物体和统一画面，产生戏剧性的光影和色彩，如卡拉瓦乔、鲁本斯、拉图尔、伦勃朗等人的作品，都是典型的作品。巴洛克时期的绘画除了绘于教堂内的顶棚（天花板）之外，独立存在静物画、风景画、肖像画与大为流行。

　　综上所述，巴洛克艺术大致有如下一些特点：无论是建筑、雕刻、装饰画都强调豪华感、激情感、运动感、空间感和立体感，有时还带有神秘感。雕刻和绘画多表现宗教题材。

　　自十八世纪以来，艺术史家和考古学家们特别重视风格的研究。所谓"风格"意味一件作品是依照某种特定的组合方式而构成的，它本身有着的内在谐和一致，但又明显地区别于其它的风格，故能给人以深刻的印象。风格的形成，当然是某一个时代和作者艺术发展成熟的表现。

　　不过，巴洛克作为一种风格，却一直是美术史家们有争论的问题。"巴洛克"一词的原义，含有不整齐、扭曲、怪诞的意思，大约是十八世纪古典主义者奉赠给自己不太赞同的前辈艺术的一个称号。从时间上说，巴洛克流行于十七世纪至十八世纪初。所以有人把整个十七世纪各国的艺术－意大利、西班牙、佛兰德尔、荷兰、法国……都列在巴洛克范围之内。

　　巴洛克成为独特的风格，是由于它在艺术精神和手法上，与盛期文艺复兴有明显的区别。如果文艺复兴可以归为古典主义，巴洛克可以归为浪漫主义。它是在封建天主教复辟后，随着贵族统治的巩固而发展起来的。但是不能简单地把巴洛克艺术和它的代表们，称谓"反"的倒退的艺术。个人固然受制于历史，但个人又反射着各种历史因素(包括一切以往的传统)，而给当代的历史带来新的东西。这才形成了历史的变化多端、丰富绚丽的形象。

　　著名人物：鲁本斯和委拉斯开兹

　　鲁本斯(1577-1640)是法兰德斯大画家，他是欧洲第一个巴洛克式的画家，他的绘画具有巴洛克艺术的壮丽风格。鲁本斯的创作以对生活的富于诗意的表现来歌颂生活，首先是歌颂作为宇宙最完美的造物的人类。他在二十年代所画肖像，绝大部分是盛装的、外表上十分华贵的贵族肖像，还有比较朴素的便装肖像的为数甚少。他画的肖像之所以引人入胜，不仅由于绘画技巧的完美，同时还由于他在肖像里表现了脉搏在热烈地跳动、目光中充满了生命力、富有弹性的皮肤的栩栩如生的人物。鲁本斯在三十年代，也即是他的生命最后十年，尤其喜欢画肖像、风景与神话画。这些作品几乎全出之于亲笔，比早期的作品更加朴素，更能予人亲切之感，这些作品以其画法的潇洒与极度精确及洋溢着内在热情的感染力而引人入胜。如:祝福和平、自画像、接受玛丽的祝福、乡村节日等。

　　委拉斯凯兹(1599-1660)是西班牙大画家，现实主义绘画的大师。他所处的时代正是资产阶级人文主义兴起的时代，当时的民族文艺极大繁荣。他也受到人文主义的教育。他以画肖像着称，曾两次去意大利，考察并精心研究威尼斯画家的作品，他没有强烈的宗教信仰心，不借助于想象。他只画他能看到的东西，在画布上只画下真实可信的形象，因此他所画的宗教画往往不成功，而由于他的人文主义思想与卓越的写实的绘画技巧，所以他的艺术能达到现实主义的高度成就。这世纪由于人文主义的兴起，人从宗教的束缚中解放出来，受到重视，所以肖像画得以盛行。但最初的肖像画大都是盛装的，并配上虚构的背景，人物做呆板，甚至手中拿的东西也有一套公式。由于他那超群的艺术才华与写实技巧，所以他画的人像却是十分生动，很有性格的。如：教皇英诺森十世和玛格丽塔公主。他却并未忘怀于那些不幸和贫苦的人，他画几幅表现一个善良而富有自尊心的不幸者，不能不对罪恶的封建制度产生愤怒，明确地表明了艺术家的爱憎。可以说在艺术史上开辟了独到的审美领域。如：侏儒赛巴斯蒂安和缝针妇女等。

　　欧洲巴洛克艺术的来源与发展

　　1、意义与背景

　　巴洛克一词源自葡萄牙文,原意指贝壳不规则的、怪异的形状。一开始主要针对17世纪意大利的建筑风格而言。巴洛克艺术(Baroque art)是十七世纪欧洲的艺术风格，初发源于17世纪教皇统治的罗马，那时意大利是欧洲艺术中心，但在巴洛克后期，欧洲艺术中心移转到法国，它并没有明确的艺术风格，只能算是一种爱好和时尚。文艺复兴意味着平衡、适中、庄重、理性与逻辑；而巴洛克却意味着运动、追求新奇、热中于无穷、不安和对比、以及各种艺术形式的大胆融合。巴洛克艺术一反文艺复兴艺术的平静和克制，而表现为戏剧性、豪华与夸张。

　　十七世纪欧洲强权扩张，掠夺海外殖民地累聚巨富，生活上提倡豪华享受，因此对建筑、音乐、美术也要求豪华生动、富于热情的情调。欧洲有新旧教的权力之争。旧教势力用暴力镇压信徒，再积极利用艺术思想形态──巴洛克，去迷惑﹑征服人心。巴洛克艺术不排斥异端的感官喜悦，亦忠实于基督教的世界观，故亦是基督教化的文艺复兴。

　　2、词源与含义

　　　巴洛克一词的来源可能有三:意大利语的baroco，指中世纪繁缛可笑的一种神学讨论；意大利语的barocchio，指暧昧可疑的买卖活动；葡萄牙语的 barocco，指畸形的珍珠。三词皆含悖礼怪奇之意，因此从十八世纪的建筑师责难十七世纪那种复杂而考就的样式，生气地称它为荒谬的、奇怪的、巴洛克的称呼之后，巴洛克这一词就被相沿成习了。学术研究中，确定巴洛克艺术地位的是德国艺术史家沃尔夫林(H.wofflin)，他的着作《文艺复兴与巴洛克》（1888）、《美术史原理》（1915），前者指出巴洛克是继文艺复兴之后的主要流派，并对其形式特点作了分析和历史考察。后者认为巴洛克风格可作为每一文化或文明进入后期阶段的特征，使之具有更为普遍的意义。

　　3、巴洛克艺术的特质

　　善用动势：不管是实际的，如波形的墙面或不断变化的喷射状的喷泉：还是含蓄的，如描绘成充满活力或动作显着的人物(不再如古典文艺复兴时的静态表现，而呈现歪斜配置的动感)。力图表现或暗示无穷感：例如伸向地平线的道路，展现无际天空幻觉的壁画，运用变换透视效果使其变得扑塑迷离的镜面手法。强调光线：设计一种人为光线，而非自然的光，产生一种戏剧性气氛，创造比文艺复兴更有立体感、深度感、层次感的空间。造成轮廓线模糊，构图有机化，而有整体感。追求戏剧性、夸张、透视的效果。不拘泥各种不同艺术形式之间的界线，将建筑、绘画、雕塑等艺术形式融为一体。

　　巴洛克艺术的历史

　　意大利文艺复兴晚期着名建筑师和建筑理论家维尼奥拉设计的罗马耶稣会教堂是由手法主义向巴洛克风格过渡的代表作，也有人称之为第一座巴洛克建筑。手法主义是16 世纪晚期欧洲的一种艺术风格。其主要特点是追求怪异和不寻常的效果，如以变形和不协调的方式表现空间，以夸张的细长比例表现人物等。

　　建筑史中则用以指1530～1600年间意大利某些建筑师的作品中体现前期巴洛克风格的倾向。罗马耶稣会教堂平面为长方形，端部突出一个圣龛，由哥特式教堂惯用的拉丁十字形演变而来，中厅宽阔，拱顶满布雕像和装饰。两侧用两排小祈祷室代替原来的侧廊。十字正中升起一座穹窿顶。教堂的圣坛装饰富丽而自由，上面的山花突破了古典法式，作圣像和装饰光芒。教堂立面借鉴早期文艺复兴建筑大师阿尔伯蒂设计的佛罗伦萨圣玛丽亚小教堂的处理手法。正门上面分层檐部和山花做成重迭的弧形和三角形，大门两侧采用了倚柱和扁壁柱。立面上部两侧作了两对大涡卷。这些处理手法别开生面，后来被广泛仿效。

　　巴洛克风格打破了对古罗马建筑理论家维特鲁威的盲目崇拜，也冲破了文艺复兴晚期古典主义者制定的种种清规戒律，反映了向往自由的世俗思想。另一方面，巴洛克风格的教堂富丽堂皇，而且能造成相当强烈的神秘气氛，也符合天主教会炫耀财富和追求神秘感的要求。因此，巴洛克建筑从罗马发端后，不久即传遍欧洲，以至远达美洲。有些巴洛克建筑过分追求华贵气魄，甚至到了繁琐堆砌的地步。

　　从17世纪30年代起，意大利教会财富日益增加，各个教区先后建造自己的巴洛克风格的教堂。由于规模小，不宜采用拉丁十字形平面，因此多改为圆形、椭圆形、梅花形、圆瓣十字形等单一空间的殿堂，在造型上大量使用曲面。典型实例有罗马的圣卡罗教堂，是波洛米尼设计的。它的殿堂平面近似橄榄形，周围有一些不规则的小祈祷室；此外还有生活庭院。殿堂平面与天花装饰强调曲线动态，立面山花断开，檐部水平弯曲，墙面凹凸度很大，装饰丰富，有强烈的光影效果。拒设计手法纯熟，也难免有矫揉造作之感。

　　17世纪中叶以后，巴洛克式教堂在意大利风靡一时，其中不乏新颖独创的作品，但也有手法拙劣、堆砌过分的建筑。教皇当局为了向朝圣者炫耀教皇国的富有，在罗马城修筑宽阔的大道和宏伟的广场，这为巴洛克自由奔放的风格开辟了新的途径。17世纪罗马建筑师丰塔纳建造的罗马波罗广场，是三条放射形干道的汇合点，中央有一座方尖碑，周围设有雕像，布置绿化带。在放射形干道之间建有两座对称的样式相同的教堂。这个广场开阔奔放，欧洲许多国家争相仿效。法国在凡尔赛宫前，俄国在彼得堡海军部大厦前都建造了放射形广场。杰出的巴洛克建筑大师和雕刻大师伯尼尼设计的罗马圣彼得大教堂前广场，周围用罗马塔斯干柱廊环绕，整个布局豪放，富有动态，光影效果强烈。

　　巴洛克建筑风格也在中欧一些国家流行，尤其是德国和奥地利。17世纪下半叶，德国不少建筑师留学意大利归来后，把意大利巴洛克建筑风格同德国的民族建筑风格结合起来。到18世纪上半叶，德国巴洛克建筑艺术成为欧洲建筑史上一朵奇花。德国巴洛克风格教堂建筑外观简洁雅致，造型柔和装饰不多，外墙干坦，同自然环境相协调。教堂内部装饰则十分华丽，造成内外的强烈对比。着名实例是班贝格郊区的十四圣徒朝圣教堂、罗赫尔的修道院教堂。十四圣徒朝圣教堂平面布置非常新奇，正厅和圣龛做成三个连续的椭圆形，拱形天花也与此呼应，教堂内部上下布满用灰泥塑成的各种植物形状装饰图案，金碧辉煌。教堂外观比较平淡，正面有一对塔楼，装饰有柔和的曲线，富有亲切感。罗赫尔修道院教堂也是建筑外观简洁，而教堂内部装修精致，尤其是圣龛上部天花，布满用白大理石雕刻的飞翔天使，圣龛正中是由圣母和两个天使组成的群雕；圣龛下面是一组表情各异的圣徒雕像。

　　奥地利的巴洛克建筑风格主要是从德国传入的。18世纪上半叶，奥地利许多着名建筑都是德国建筑师设计的。如维也纳的舒伯鲁恩宫，外表是严肃的古典主义建筑形式，内部大厅则具有意大利巴洛克风格，大厅所有的柱子都雕刻成人像，柱顶和拱顶满布浮雕装饰，是巴洛克风格和古典主义风格相结合的产物。兴起于17世纪中叶，它的风格自由奔放，造型繁复且富于变化，只是有的建筑装饰堆砌过分。西班牙圣地亚哥大教堂为这一时期建筑的典型实例。

　　名称：拉菲特别墅

　　地点：巴黎近郊

　　年代：1642-1646 AD

　　建筑师：佛兰苏瓦·曼萨尔(1598-1666）

　　佛兰苏瓦·曼萨尔的代表作有替奥尔良（Gaston d'Orleans）改建的布尔瓦城（the Old xastle at Blois）之翼部，以及拉菲特别墅（Maisons Laffitte）。从拉菲特别墅的椭圆形房间中可看出少许的意大利巴洛克的影响，这种椭圆设计，早已可见于法兰西学院教堂（institutw de France，公元 1662 年兴工）的中央大厅及前室，还有沃卢威康特城堡（公元 1657-1661 年）的大厅。这些椭圆形是把古典构成分段过的椭圆形，一如贝里尼的奎里那圣安德烈教堂所见。其椭圆形设计表现上，较少抵制文艺复兴的倾向，所以法国的巴洛克建筑可以说是加上巴洛克色彩的古典主义。

　　名称：圣耶斯特班教堂

　　地点：本尼笃

　　年代：公元1713-1738年

　　建筑师：沙拉曼卡（西班牙）

　　西班牙在十七世纪曾改建过大小教堂多处，使之面目一新。而这些改建几乎都集中在教堂正面与祭坛上。西班牙大教堂的主祭坛在传统的手法来说，通常都设有祭坛画。等到进入了十七世纪，便将祭坛分成几个部分，而成祭坛围墙，显示了十分复杂的结构。其间所使用的圆柱、山墙、柱间横版等要素，所构成的框架、及绘画、雕刻等等，莫不使得祭坛变成了富于幻想的舞台装置，显现浓厚的舞台效果。

　　到了十八世纪，西班牙教堂的祭坛与正面设计更加华丽。祭坛建筑结构的先驱虽是罗马的矫饰主义或巴洛克式。但是十七到十八世纪，以本尼笃为中心的西班牙之祭坛结构，则舍弃传统中只用祭坛画的手法；而可说是从意大利学到了戏剧的舞台效果，只不过造形手法上与意大利迥异，是充满了强烈的西班牙节庆气氛，以及不成熟的写实主义幻想表现。

名称：拖雷多大教堂透明祭坛

　　地点：Toledo, 西班牙

　　年代：1721-1732 AD

　　建筑师：纳西索·拖梅（Narciso Tome）

　　使建筑师纳西索·拖梅声名大噪的，可说是他在歌德式的拖雷多大教堂所作的透明祭坛。这个祭坛之所以被称为透明（transparente），是因为祭坛上的圣体被装入前面的玻璃容器之故。托梅在这个用大理石与青铜做成的祭坛利用错觉及远近法的效果，使祭坛获得实际上远近及幻觉的华丽气氛。这样的空间设计，可说是西班牙巴洛克风格中，幻觉性空间效果的极限表现。而在西班牙的巴洛克建筑师中，托梅可说是最能了解意大利巴洛克的人。

　　当人们仰望透明祭坛的上方时，便可以看到圆形天花板的一部份被挖穿，上方架设顶塔，从下方看不到的顶塔之采光窗有光线投射下来，照耀在飞升于祭坛上方的天使群像。这些光线同时也照射在下方的祭坛。进而在这魔幻般的光线之中，亦即顶塔的天花板内部，升天的基督像则出现于天使群像的彼方。

　　名称：圣卡尔·波罗美斯教堂　圆顶内部

　　地点：维也纳

　　年代：公元 1716 年动工；1725-1730年湿壁画

　　建筑师：贝伦赫特（建筑）；罗特麦亚（湿性壁画）

　　卡尔教堂的平面设计是纵向配置的椭圆形，贝伦赫特强调纵长的进深轴线。贝伦赫特在此之前，曾在萨尔斯堡的大学教堂建造了具有波罗米尼风曲面的双塔式正面，卡尔教堂在基本上也利用了那种结构来从事独特的设计，也就是卡尔教堂的两支图拉真圆柱（沿袭罗马的图拉真大圆柱），担当了波罗米尼在罗马圣安尼西（S. Agnese）教堂设置的两翼双塔之任务。

　　卡尔教堂的正面虽有点纤弱之感，却反而有点居于其后的圆顶以绝对的优势。这或许可说是阶层的秩序，其中自弱质物体到强质物体间的推移，可以感觉出序列的均衡调和，说起来亦属御用巴洛克式的一种象征。这座教堂是在鼠疫大流行之际，为了对神的誓愿，而建造起来献给圣卡罗·波罗美奥（S. CarloBorromeo, 1538-1584）的。

　　圆顶的湿性壁画描写圣卡罗·波罗美奥为了维也纳市民而向圣处女说情的画面，这是罗特麦亚的作品。在这件湿性壁画下面，有由加埃达诺·芳提画下幻想的建筑。这个部分使下方实际的建筑体和表现天堂的湿性壁画，在视觉上产生连续性。换言之，此处所画的建筑，使下方的世俗间与上方的神圣空间得以具有双重意义地结合起来。

　　卡尔教堂的椭圆形圆顶上所画的湿性壁画随着同心圆状的云朵而向天堂飞升，让人有戏剧性的幻想之感。

　　名称：凡尔赛宫礼拜堂内部

　　地点：凡尔赛（法国）

　　年代：公元 1699-1703年

　　建筑师：朱尔·哈杜安·曼萨尔 (Hardouin-Mansart，Jules)　罗伯·科特

　　杜安·曼萨尔继承了卢弗（Louis Le Vau 公元 1612-1670 年）的计画，在公元1678-1688年间，进行凡尔赛宫的大规模扩建，完成了镜殿等华丽的诸室。除此之外，长而大的南北两翼也在他的指挥下完工。至于庭园的部分，曼萨尔在公元 1687 年兴建大宫殿（Grand Trianon）之后，复于公元1699年着手礼拜堂的工程，并于公元1703年完工。

　　这座礼拜堂的天花板挑高的设计，是由于皇帝的御座设在宫殿的二楼，所以采取这样的空间构成。公元1708年由柯瓦佩尔（公元1661-1670年）画成的天花板壁画虽表现了巴洛克式的飞升之感，但是整个礼拜堂给人的印象则充满了洛可可式的优雅。这或许是因为继承此工程的建筑师罗伯·科特是属于洛可可派的建筑师之故。

　　巴洛克的音乐，大抵承袭了同时期其他艺术的风格和文艺复兴时期的音乐相比，也难逃华丽、装饰、壮观等倾向。这种音乐的来源，起始于十六世纪末的意大利。当时以佛罗伦斯地方的一群文人和音乐家，根据他们研究的结果，断言古代希腊的戏剧，不是仅有对白，而是以说唱的音乐型态演出的。为了复兴这种—直被西欧奉为经典的艺术，这群人开始创作以说唱方式进行的戏剧，这就是今日我们所知歌剧之祖。这种轮流独唱的原始歌剧，当然和后来有重唱、合唱，加上大型管弦乐伴奏的歌剧很不相同。不过它为音乐内容的戏剧化，开启了一扇大门。这种歌剧的说唱，不以旋律性着称，甚至比后来歌剧中带过情节的所谓宣叙调还要单调平淡。他们的演出和欣赏引象，仅限于当地的知识份子，—直到十七世纪初，以蒙台威尔第为首的音乐家，将歌剧的型态流行化，更夸大戏剧手法，添加各种人声和乐器组合，旋律也优美讨喜。歌剧的重心由佛罗伦斯栘到罗马，然後再到水都威尼斯，这个商贾云集的国际城市，向来有各种艺术表演的传统，加上居民富裕而渴求娱乐，于是歌剧院如雨后春笋般兴起，藉由威尼斯和其他各国的商业往来，将这种新兴的音乐型态推广到欧洲其他国家。而巴洛克对音乐最大的贡献是让宗教音乐世俗化。

　　自从歌剧的成功，不但吸引许多音乐家争相创作同类作品，连带的宗教音乐，甚至纯演奏的器乐，也受到影响，在音乐内容上，添加了前所未有的戏剧化表现。在宗教音乐方面，原先是纯粹合唱，没有伴奏清唱的经文歌（motet）、弥撒曲（Mass），不但加上剧中的独唱、重唱，更把乐团带进其中，成为不可分割的必要部份。这种宗教音乐世俗化的结果不仅彻底修饰了传统的音乐类型，还创造出前所未见的作品种类，包括清唱剧（Cantata）、神剧（Oratorio）、受难曲（Passion）等等。最早的意大利式清唱剧，是以独唱为表现方式。但是日后反而德国人将其发扬光大，而且也加入他们独特的喜好，例如德国奉行的路德教派，宗教仪式都以德文进行。因此德国式的经文歌就以本国支为歌词，而且经常安插了礼拜大众可以一起合唱的众赞曲（Chorale），以缓慢的简单和音方式进行，妤让大家跟随齐唱，早期的布克斯泰乌德（Ddietric Buxtehude）和巴赫的清唱剧，可为其中代表。神剧简单说来，就是歌剧的内容宗教化，除了没有动作、布景外，其音乐内容几乎就是世俗歌剧的翻版。意大利歌剧作曲家卡里西米（Giacomo Carissimi）是最早创作这类曲子的作曲家之一；不过晚期的亨德尔是这种神剧作品的代表人物，大家熟知的弥赛亚就属此类。至于受难曲，其实可以算作神剧的一种。只是它的情节围绕在耶稣受难相复活的故事上。之所以有各种不同名称的受难曲、如马太、约翰等），是因为歌词采自圣经中耶稣门徒们对耶稣受难过程描述的下同章篇而来，舒茨（Heinrich Schutz）是这类作品的始祖，当然巴赫的受难曲，在今日有下可动摇的经典地位。

　　除了这些类型的宗教曲之外，法国，世俗剧和宗教剧的分界也不是那么径渭分明。巴赫写作了几首世俗清唱剧，但是却以男女之爱，比喻上帝和世人之间的情感。普赛尔写过不少世俗剧的配乐，其内容简直和颂歌没什么差别。早期意大利歌剧，故事内容经常也有浓厚的宗教剧色彩。

　　巴洛克独特的器乐型态

　　至于器乐，在巴洛克时代，可是扬眉吐气的风光！在此之前，合唱曲仅有少样的乐器伴奏，甚至没有伴奏。而即使乐器有登台露睑的机会，也是重复某一个固声部的旋律，担任强化的功用而已。纯粹器乐经常被演奏的，只有舞曲等民间音乐的范畴了。可归属“艺术音乐”的演奏曲，种类十分有限。随着巴洛克时代歌剧和宗教音乐的大型化、戏剧化，器乐所占的地位越来越重要了。例如歌剧、神剧等开头部会有纯器乐的序曲，其间的伴奏，也脱离重复声部旋律线的童养媳地位，成为不可省略的独立部份了。除了歌剧类作品之外，巴洛克时期还产生了许多种重要的器乐演奏型态，前代的各种舞曲，在此时逐渐摆脱了舞蹈伴奏的功用。作曲家们采用各地方独特舞曲的节奏、速度，创作专为演奏而用的曲子。组曲（Suite）这种型态，就是舞曲艺术化的最早例子。作曲家们收集了不同的舞曲，依照快慢和乐曲的性格，调配出一整组的曲子。例如巴哈许多独奏器乐的组曲，各乐章都还具有原始舞曲的名称，但是它们完全不是用来跳舞用的。德国教会音乐中特殊的众赞曲，经常变成管风琴独奏曲的基础。日后非常重要的奏鸣曲的雏形，也在此时开始出现。它们以两种型态发展，其中的三重奏鸣曲（Triosonata）以两个独奏乐器，搭配低音弦乐和提供和弦的大键琴或管风琴演奏。独奏奏鸣曲（Solosonata）则只有一个独奏乐器，和伴奏部份组成。

　　至于比较多人演奏的器乐曲，早期是歌剧中的序曲和担任间奏的交响曲（Sinfonia，多是短短的三乐章，和日后的独立交响曲不同），以及演变自文艺复兴时期声乐合唱的短歌（Canzona）为主。另外，有独奏和伴奏对比的协奏曲（Concerto）、大协奏曲（Concerto）由几位意大利音乐家发展出来。其中大协奏曲的独奏者下只一人，而是一整个小团体，和担任伴奏的大乐团配合演出，但是这个独奏小团体的个人秀机会很少，以整体表现为考量。协奏曲通常只有一人独奏，即使有两人以上独奏，每个人的地位也比大协奏曲中较为突出。大协奏曲早期的代表人物有意大利的托勒里（Giuseppe Torelli）、柯列里（Arcangelo Corelli）等代表，后期的亨德尔将之发扬光大。巴赫的布兰登堡协奏曲中也有几首具有这种大协奏曲的特性。至于协奏曲类，创作五百多首协奏曲的韦瓦第，就是当之无愧的“协奏曲之王”。大家熟悉的四季，其实只是他一组十二首小提琴协奏曲中的四首。早期的协奏曲很多是四个乐章：但是到了韦瓦第的手里，快一慢一快的三乐章型态，几乎已经被确定了。组曲、奏鸣曲、协奏曲等作曲形式，一直沿用到今日而不辍，是巴洛克时代对后世最大的贡献之一。