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帕布罗 毕加索 作品画册专辑 |
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帕布罗 毕加索 (Pablo Picasso 1881-1973) 西班牙 - 法国 画家
毕加索是最具有影响力的现代派画家。毕加索一生画法多样、风格迭变。从自然主义到 表现主义 ，从 古典风格 到 浪漫主义 ，然后又回到 现实主义 。在长达70年的创作生涯中毕加索从不受羁于任何束缚，满怀热情，不停探索不断变幻，用一生创造了惊世的成就。近250件世界各国的国家和私人收藏的作品，包括蓬皮杜现代艺术博物馆藏的《L'Aubade》，马德里国家艺术中心收藏的 格尔尼卡 《Guernica》,1937，和纽约现代艺术博物馆收藏的《 Le Charnier》等作品。
1881 年10月25日生于西班牙南部马拉加，1973年4月8日卒于法国穆然城。自幼喜好艺术。在马德里圣费尔南多美术学院学习期间，因不满学院派保守的教学方法而离开学校，并积极参加当地文化名人的沙龙聚会。当时流行的各种艺术流派，诸如 象征主义 、批判现实主义、 印象主义 、自然主义、唯美主义等对他都有吸引力。
自画像创作1900～1905年是他创作的早期阶段。作品初用蓝色调， 后又用粉红色调，描绘充满孤寂、悲怆的贫困者、残疾人、江湖艺人等。代表作《熨衣服的妇女》、《喝苦艾酒者》、《杂技演员之家》等，均属批判现实主义范畴，含有浓重的悲剧成分和民族特色。1904年前后的巴黎之行使他眼界大开，那里的新艺术思潮及其探索成果，给他以刺激与启发。
1907年的《亚威农少女》表明其创作已转入立体主义阶段。他抛弃了西方传统绘画的造型法则，公开向 文艺复兴 以来确立的审美法则进行挑战。画中没有任何情节，没有具体环境描写，只有几个面的结构。这类作品在不模仿客观物象的表面情况下，同时绘出一个物象的几个方面，并将拼贴方法引进绘画。代表作有《小女孩和曼多林》、《卡恩韦勒像》、《静物与藤椅》等。
1915年以后，他开始对 安格尔 精确而细致的素描感兴趣，画风也由 立体主义 转向 新古典主义 。
1922年的《竞跑》、《伊戈尔·斯特拉文斯基肖像》用夸张的手法表达了宏伟的气势，是这种转变的代表作。《坐着的女人》 西班牙内战时期，他始终站在共和国一边，反对佛朗哥政权。他创作了壁画《格尔尼卡》
1935年，当法西斯空军轰炸西班牙的格尔尼卡镇滥杀无辜平民的消息传出后，祖国流血的悲剧激怒了毕加索，他那潜在的表现主义再次迸发出来，线条扭绞着膨胀着，色彩放出光泽在奔腾驰骋，并由一首以渐强奏出的悲怆曲 《 格尔尼卡 》Guernica 达到极点。这幅伟大的构图如果不说是其巅峰之作的话，也是其杰作之一，表达了他的悲愤之情。因为如果说他是以世界末日的形象表达对战争的厌恶，那末他仅用了一些形状和光暗对比便达到了目的。他不是象戈雅、 德拉克洛瓦 那样去描绘战争的情节杀戮的场面。 戈雅 和德拉克洛瓦不管天分多高，也只能做到这一点。而毕加索却在西洋绘画史上每一次成功地单纯以造型标注经历过的事件，使我们感到恐怖。他以良知和激情将一些绘画的特别价值结合在一起，使我们确信这一罪行。我们看到悲剧与诙谐，挖苦与怜悯，咀咒与嘲笑，生命的颤动与死亡的静止，汹涌的思想感情以达到极点的强度从这幅裂人肺腑的画中涌出。在德国纳粹占领法国后，他坚持爱国主义气节，在巴黎闭门作画，拒绝法西斯利诱。
毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家。对于他的一生世人的评价可谓众说纷纭，毁誉褒贬兼而有之。他这个人不能被当作楷模，因为其生活不能作为榜样，作品不能作为教导。但是毕加索并不是每个世纪都能出一个的，但又有谁能不感到，我们的世纪如果没有他将会更加平板暗淡，缺点生活意义？但对于他的作品以及他对艺术形式的多方面的探索，人们还是一致认同的。也正是因此，毕加索在世界艺术史上占据了不朽的地位。
由于他的勤奋毕加索成了一位多产画家。他逝世后人们花了 5 年的时间对他的作品进行了整理。据统计他的作品包括：油画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121 幅，总计近 37000 件。
他一生中画法和风格几经变化，分为这样几个时期：
- “蓝色时期”
- “玫瑰红时期”
- “黑人时期”
- “立体主义时期”
- “抽象主义时期”
“立体主义时期”分成分解和综合两种形式
- “古典主义时期”
- “超现实主义时期”
早年的“蓝色时期”和“红色时期”的画风有 德加 的影子。随后在 1909年，他与法国画家乔治· 布拉克 一起创立了立体派，进入了他的“黑色时期”。这种立体派创作方法，对西方美术的现代流派影响很大。被誉为“２０世纪美术的一位最伟大的大师”。他于 1907年创作的《 亚威农少女 》，吸收了东方艺术和西班牙民间艺术的一些表现形式，彻底改变了传统绘画的表现手法，追求比现实还要真实的“理念中的真实”。
在毕加索的画中，人们还可以强烈感受到他的爱憎。他反对战争希望和平安宁。 1937年4月，为抗议希特勒轰炸西班牙北部城市格尔尼卡，他画了著名的大型壁画《格尔尼卡》。为抗议美国入侵朝鲜，1952年他又创作了壁画《战争》、《和平》。至于他的《和平鸽》，更是世人所熟悉的名作。
毕加索的生活与艺术都离不开女人。毕加索的代表作与女人题材相关甚多。主要有：《三舞女》、《在红色椅子熟睡的女人》、《玩球的浴女》、《公鸡》等。
1973 年 4 月 8 日 ，这位欧洲画坛的巨匠带着和平的愿望在法国南部的穆丹逝世，长眠在地中海边的墓地中。
毕加索一出娘胎，好似就有了“性”观念，这么说不是在挖苦，也不认为荒谬，还很符合弗洛依德的性本能学说。
毕加索的作品，最著名的是和平鸽、《格尔尼卡》，以及无数长着三只眼睛，几个乳房的怪人画，使他成为二十世纪最具争议，也最有影响的艺术家。即使看了说不出所以然的人也只有跟着全世界喝彩。要是遇到其他什么人画的看不懂的画时，就会说一句：“这是毕加索。”
不管你欣赏也罢，不欣赏也罢，画笔、木头、陶泥、石料，到了他手里，做出来的作品就别具一格，韵味十足。
说到毕加索的艺术生涯，就要说起毕加索一生中的女人。他有过两个妻子，这是明煤正娶在教堂里宣过誓的，还有四名众所周知的同居情妇，还有其他的就难以数得清了。他在一九七三年逝世以后，从分散在各地的博物馆和私人收藏品里，发现了许多鲜为人知的作品，让人们看到了毕加索最隐秘的一面。那就是毕加索爱女人，爱女人的身体，爱女人身体上的特点。他的一双炯炯有光的黑眼睛，愣愣地盯着女人的特点，在他的画笔下表现得纤毫毕露。
巴黎毕加索国家博物馆、蒙特利尔美术博物馆、巴塞罗那毕加索博物馆三位馆长，在《毕加索色情画展览会纪念刊》序言中，第一句话就是“从某种意义来说，毕加索的全部作品都带色情的。”他的创作始终伴有性的脉动，在八岁时画的素描，就早熟地表现出对女性的兴趣，直到临死前几天的作品，还对女性的身体表现了零碎悲哀的看法。这位艺术家在希腊爱神厄洛斯的阳光下和死神塔那托斯的阴影下走完了人生道路。在他浩如烟海的作品中，有一部分画——主要是素描与速写——在生前还秘不示人，在二OO一年才公之于众，令世人大吃一惊。
在西方，色情与黄色还是有区别的。如何区别？顾名思义，色情应该是有色也有情，而黄色则是黄以外就只是色了。在艺术中色情不完全遭到排斥，而黄色只受“快活原则”支配的本能冲动，则要归人X档案。
毕加索一生女人多，然而他那么专注于女人的身体，还是有点出人意外。有人就有性，或者有性才有人，性是人生极为重要的一部分，但是公开当作人生一件大事来讨论研究的，还是上一世纪开始的事；在艺术中把女性器官当作花朵那样精描细绘的，即使当今一切讲透明的时代，毕竟还是有点叫人难为情。而毕加索却不，他的那部分画显然超过色情标准，几乎达到X级别。毕加索作这些画时，决不抽象，也不超现实，而是孜孜矻矻，一丝不苟，完全是中国工笔画的笔法。
因此，毕加索色情画公开时，尽管有好事者鼎力促成，全世界还是只有三座城市敢于接受展出，首先是在艺术上敢为天下先的巴黎（二OO一年二月十九日 —— 五月二十日），其次是意想不到的蒙特利尔（二OO一年六月十四日 —— 九月十六日），最后是培育毕加索的巴塞罗那（二OO一年十月二十五日 —— 二OO二年一月二十五日）。原来只想举办成一个类似的内部观摩展览，不料邻近各国的参观者不愿丧失机会趋之若骛，使这三个展览会成为一件国际艺术大事。
二
展出作品约三百五十件，以年代顺序排列，显示毕加索作品风格与内容的演变，更主要是毕加索的“视觉里比多” —— 他到底在看什么？又看到了什么？“视见觉里比多”，假若套用《红楼梦》内“意淫”一词，可以理解为“目淫”。
毕加索自己也曾说过，他从童年很快就进人了性成熟期，不论在作品或在生活中都没有少年这个阶段。童年时他随父母迁到巴塞罗那定居，在父亲任教过的美术学校人学。然后在一八九七年考人马德里皇家艺术学院。两年后又回到巴塞罗那，不久发现了咖啡馆、低级酒店与妓院的夜生活，素描本上留下许多那个时期的习作。同时他也接触了戈雅的《奇想集》和费尔南德·德·洛雅斯的经典流浪汉小说《塞勒斯蒂娜》。这部组画与这部小说都对西班牙当年的社会风俗有非常大胆的暴露与描写。毕加索把自己想像成反形式主义、放浪不羁的流浪汉，经常以风月场与卖淫女作为绘画题材。
一九OO年十月他首次到了巴黎，在蒙玛特高地洗衣船附近过着自由自在的穷画家生活。那个时期的 素描 与速写大多是青楼情景、作爱场面，以及自己跟妓女一起的自画像。女人毫不在乎把身体坦露在一群有窥私癣的嫖客面前。画家既让自己，也让观画的人在渔色之徒中间找到一个位子。
他在一九O六至一九O七年间画的《阿维尼翁姑娘》，成画后先由阿波利奈尔题名为《哲学妓院》，显然是从萨德《闺房哲学》一名而来的。毕加索抛弃了以前的写真而转变成他后来所谓的《第一幅驱鬼图》，在这幅画里角色转换，是妓女在窥视那几双对着自己呆瞧的眼睛里闪过些什么。
经过严谨的立体主义阶段后，毕加索在两次大战之间又找回了巴塞罗那青年时代的色情灵感，但是走的道路非常不同。那时他已接受了 超现实主义 ，把女性身体分解拆散，器官画得七零八落，从性功能的角度去重新组合，表面看来是不经意的，其实是完全按照理想主义的安排。《海边的人形》（一九三一年）便是一个例子。
在新古典主义时期的其他作品里，厄洛斯始终超过了人体的极限。那时选用许多神话中的诱拐和粗暴求爱的故事，还出现斗牛和弥诺陶洛斯（牛头人身怪），画中性器官占非常显眼的位置。毕加索与海明威都为西班牙斗牛疯狂，内中是不是有这层隐情？画的名字也非常明白：《弥诺陶洛斯强奸妇女》、《弥诺陶洛斯的欢乐宴》、《交媾》、《拥抱》、《强暴》，画面上是弥诺陶洛斯或一头公牛，向昏迷的女人施暴，或者突然变得温柔，含情脉脉地抚摩她，沉浸在巴克斯酒神的陶醉中。
五、六十年代，毕加索在画和平鸽的同时，继续作了大量关于接吻、拥抱、交媾、兽性、暴露癖或狂欢题材的画，风格与技巧都有所变化，更想把这些主题纳人传统，根据 拉斐尔 、 伦勃朗 、 德拉克罗瓦 的作品延伸，创造自己的变体画。
在这些色情画中还可以看到毕加索—生中的主要女人：他的初恋费尔南特·奥列维埃，他的妻子奥尔嘉·柯克洛娃，他的缪斯玛丽一戴莱兹·华德，女摄影师杜拉·玛亚尔，他的不愿在偶像身边生活的弗朗索瓦兹一基洛，以及一九六二年婚后伴随他后半生的杰克琳·洛克。“爱的女人无处不在。”二十岁的巴勃罗·毕加索初进大城市，还没有脱离乡气时，就说过这样的话。
他把那些与自己生活的女人，一个也不少，还有她们的作爱情景，都自然生动地表现在纸上，既不忌讳也不存偏见，因为对他来说，一切 —— 最隐秘的思想，最抑制的欲望 —— 只要会画，都是可以和盘托出的。这也是赋予潜意识中的恶魔一种形式，让它释放出来。
一九九四年在纽约现代艺术博物馆开了一个毕加索肖像画展览，继而又在巴黎大皇宫内继续展出，共有一百四十三幅肖像画，也让人看到了影响毕加索画风的上述六位女性，现在看来那些线条大胆曲折的裸体像竟是原型人物文雅的标准像了。
三
随着年龄增加，毕加索在作品中的色情越来越强烈，但更多把自己置于偷窥者的地位。他自己也曾承认：“我们上了年纪，不得不把烟戒了，但是抽烟的欲望还是有的。爱情也一样。”从他们各自的作品中来看，古代的提香、现代的杜尚何尝不是如此。神圣的爱，世俗的爱，都只留下了“看的权利”。毕加索在画中却把拉斐尔开涮了一番。传说拉斐尔缺少了弗尔娜丽娜的爱情，就无心施展他的艺术天才，最后也因纵欲过度，英年早逝。
毕加索的《拉斐尔和弗尔娜丽娜》组画，共有二十四幅之多，简直是连环画。其中对教皇朱利厄斯二世也有大不敬的处理。一开始就画出那对年轻情人正在云雨时，教皇先躲在垂帘后面偷看，继而拉开帘子看，继而又堂而皇之走进室内，叫人带了椅子坐下看，继而又在马桶上正襟危坐看……作者最后让米开朗基罗也扒在床底下伸出头来看。这也是平起平坐的大艺术家遥跨时空开的一个玩笑吧。在此时间，拉斐尔与弗尔娜丽娜毫不在乎，我行我素，一切该做的还是照做，教皇始终神情专注，看得津津有味。
一九七一年，毕加索已九十岁高龄，又画出《戴里埃家》组画，亦名《德加在妓女中间》，画得同样火爆。“欲望还是有的”，但深深露出老年的悲哀。那幅《老鸨的节日》中，妓女都在说德加的坏话，德加缩在一边，只露出三分之一侧影，面对着美色无能为力令人啼嘘。
艺术评论家让·菜玛里在《正常与偏常》（一九八八年）一书中说：“二十年前，有人要我做—次关于艺术与性的讲座。我去看毕加索，问他该怎么讲。他回答，还不是老一套。”毕加索一生都受性的诱惑，他在作品与生活中都全身心地享受性的乐趣。据让·克莱尔说，“毕加索每次换个女人，也是每次换个标准，换个视觉，因为他要全部占有女人，直至她的视觉；这时他自己也换了个人。”“标准”、“改变视觉”、“性的对话”、“性与心的转换”、“占有女人直至她的视觉”，这是毕加索的艺术中的性心理学的一条粉红色线。如果狄德罗知道了，会说这是极佳的心理临床学。因为他早在两个半世纪以前就说：“一切生物都是你中有我，我中有你……任何禽兽都多少是人，任何矿物都多少是植物，任何植物都多少是禽兽……人是什么？人是某类倾向的总和。”
毕加索自语 ：
无论我在失意或是高兴的当儿，我总按照自己的爱好来安排一切。一位画家爱好金发女郎，由于他们和一盘水果不相协调，硬不把她们画进他的图画，那该多别扭啊！我只把我所爱的东西画进我的图画。以往，绘画是按累进的方式逐步来完成的，每天产生一些新的东西，所以一幅画是一个加法的总和。至于我，一幅作品如同个减法的得数。我完成一幅画，接着就把它毁坏掉。但是归根到底，什么也没有损失，犹如我抹掉的一部分红色，它将在另一个部位重新出现。 但愿人们从来不了解我的作品是怎样画出来的，因为我要求我的作品，只是表现激情而已。
毕加索爱情年表
1881年 10月25日出生于西班牙南部的马拉加。
1904年23岁 定居于巴黎“洗衣船”。邂逅费尔南德-奥立维并同居，常去观赏马戏团的演出，粉红色时期开始。
1911年30岁 邂逅艾娃-谷维。
1912年31岁 与费尔南德分手。
1915年34岁 艾娃因肺结核逝世。
1917年36岁 至意大利为 俄罗斯 芭蕾舞团作舞台设计，邂逅舞者欧嘉-科克洛瓦。
1918年37岁 与欧嘉结婚。
1925年44岁 创作“舞”，首次影射与欧嘉的紧张关系。
1927年46岁 邂逅年仅17岁的玛丽-德雷莎-华特。
1929年48岁 作系列以女人头像为题的攻击性画作，显现婚姻危机。
1935年54岁 与欧嘉分居。
1936年55岁 邂逅 南斯拉夫 女摄影师兼画家 多拉 玛尔 。
1943年62岁 邂逅22岁的方斯华姿-吉洛。
1946年65岁 与方斯华姿-吉洛同居。
1954年73岁 与方斯华姿-吉洛分手。
1961年80岁 与35岁的雅克琳娜-洛克结婚。
1964年83岁 方斯华姿出版回忆录，造成两人决裂。
1973年92岁 4月8日逝于坎城附近的慕瞻市。4月10日葬于佛文纳菊别墅的花园里。
"Yet Cubism and Modern art weren't either scientific or intellectual; they were visual and came from the eye and mind of one of the greatest geniuses in art history. Pablo Picasso, born in Spain, was a child prodigy who was recognized as such by his art-teacher father, who ably led him along. The small Museo de Picasso in Barcelona is devoted primarily to his early works, which include strikingly realistic renderings of casts of ancient sculpture.
"He was a rebel from the start and, as a teenager, began to frequent the Barcelona cafes where intellectuals gathered. He soon went to Paris, the capital of art, and soaked up the works of Manet, Gustave Courbet, and Toulouse-Lautrec, whose sketchy style impressed him greatly. Then it was back to Spain, a return to France, and again back to Spain - all in the years 1899 to 1904.
"Before he struck upon Cubism, Picasso went through a prodigious number of styles - realism, caricature, the Blue Period, and the Rose Period. The Blue Period dates from 1901 to 1904 and is characterized by a predominantly blue palette and subjects focusing on outcasts, beggars, and prostitutes. This was when he also produced his first sculptures. The most poignant work of the style is in Cleveland's Museum of Art, La Vie (1903), which was created in memory of a great childhood friend, the Spanish poet Casagemas, who had committed suicide. The painting started as a self-portrait, but Picasso's features became those of his lost friend. The composition is stilted, the space compressed, the gestures stiff, and the tones predominantly blue. Another outstanding Blue Period work, of 1903, is in the Metropolitan, The Blind Man's Meal. Yet another example, perhaps the most lyrical and mysterious ever, is in the Toledo Museum of Art, the haunting Woman with a Crow (1903).
"The Rose Period began around 1904 when Picasso's palette brightened, the paintings dominated by pinks and beiges, light blues, and roses. His subjects are saltimbanques (circus people), harlequins, and clowns, all of whom seem to be mute and strangely inactive. One of the premier works of this period is in Washington, D.C., the National Gallery's large and extremely beautiful Family of Saltimbanques dating to 1905, which portrays a group of circus workers who appear alienated and incapable of communicating with each other, set in a one-dimensional space.
"In 1905, Picasso went briefly to Holland, and on his return to Paris, his works took on a classical aura with large male and fernale figures seen frontally or in distinct profile, almost like early Greek art. One of the best of these of 1906 is in the Albright-Knox Gallery in Buffalo, NY, La Toilette. Several pieces in this new style were purchased by Gertrude (the art patron and writer) and her brother, Leo Stein. The other major artist promoted by the Steins during this period was Henri Matisse, who had made a sensation in an exhibition of 1905 for works of a most shocking new style, employing garish and dissonant colors. These pieces would be derided by the critics as "Fauvism," a French word for "wild beasts." Picasso was profoundly influenced by Matisse. He was also captivated by the almost cartoon-like works of the self-taught "primitive" French painter Henri "Le Douanier" Rousseau, whom he affectionately called "the last ancient Egyptian painter" because his works have a passing similarity to the flat ancient Egyptian paintings.
"A masterpiece by Rousseau is in the Museum of Modern Art in New York, his world-famous Sleeping Gypsy, with an incredible tiger gazing at the dormant figure with laser-like eyes.
"Picasso discovered ancient Iberian sculpture from Spain, African art (for he haunted the African collections in the Musée d'Ethnographie du Trocadéro in Paris), and Gauguin's sculptures. Slowly, he incorporated the simplified forms he found in these sources into a striking portrait of Gertrude Stein, finished in 1906 and given by her in her will to the Metropolitan Museum. She has a severe masklike face made up of emphatically hewn forms compressed inside a restricted space. (Stein is supposed to have complained, "I don't look at all like that," with Picasso replying, "You will, Gertrude, you will.") This unique portrait comes as a crucial shift from what Picasso saw to what he was thinking and paves the way to Cubism.
"Then came the awesome Les Demoiselles d'Avignon of 1907, the shaker of the art world (Museum of Modern Art, New York). Picasso was a little afraid of the painting and didn't show it except to a small circle of friends until 1916, long after he had completed his early Cubist pictures. Cubism is essentially the fragmenting of three-dimensional forms into flat areas of pattern and color, overlapping and intertwining so that shapes and parts of the human anatomy are seen from the front and back at the same time. The style was created by Picasso in tandem with his great friend Georges Braque, and at times, the works were so alike it was hard for each artist quickly to identify their own. The two were so close for several years that Picasso took to calling Braque, "ma femme" or "my wife," described the relationship as one of two mountaineers roped together, and in some correspondence they refer to each other as "Orville and Wilbur" for they knew how profound their invention of Cubism was.
"Every progressive painter, whether French, German, Belgian, or American, soon took up Cubism, and the style became the dominant one of at least the first half of the 20th century. In 1913, in New York, the new style was introduced at an exhibition at the midtown armory - the famous Armory Show - which caused a sensation. Picasso would create a host of Cubist styles throughout his long career. After painting still-lifes that employed lettering, trompe l'oeil effects, color, and textured paint surfaces, in 1912 Picasso produced Still-Life with Chair-Caning, in the Picasso Museum in Paris, which is an oval picture that is, in effect, a cafe table in perspective surrounded by a rope frame - the first collage, or a work of art that incorporates preexisting materials or objects as part of the ensemble. Elements glued to the surface contrasting with painted versions of the same material provided a sort of sophisticated double take on the part of the observer. A good example of this, dubbed Synthetic Cubism, is in the Picasso Museum, Paris, the witty Geometric Composition: The Guitar (1913). The most accomplished pictures of the fully developed Synthetic Cubist style are two complex and highly colorful works representing musicians (in Philadelphia and the Museum of Modern Art, New York). He produced fascinating theatrical sets and costumes for the Ballet Russe from 1914 on, turned, in the 1920s, to a rich classical style, creating some breathtaking line drawings, dabbled with Surrealism between 1925 and 1935, and returned to Classicism.
"At the outbreak of the Spanish Civil War, Picasso was appointed the director of the Prado. In January, 1937, the Republican government asked him to paint a mural for the Spanish pavilion at the world exposition in Paris. Spurred on by a war atrocity, the total destruction by bombs of the town of Guernica in the Basque country, he painted the renowned oil Guernica in monochrome (now in Madrid's Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia.) Something of an enigma in details, there's no doubt that the giant picture (which until the death of Franco was in New York's Museum of Modern Art) expresses a Goyaesque revulsion over the horrors man can wreak upon fellow man. The center is dominated by a grieving woman and a wounded, screaming horse illuminated, like Goya's Third of May, 1808 by a harsh light.
"Picasso lived in Paris through the war, producing gloomy paintings in semi-abstract styles, many depicting skulls or flayed animals or a horrifying charnel house. He joined the Communist party after the war and painted two large paintings condemning the United States for its involvement in the Korean War (two frightfully bad paintings about events that never happened - like American participation in germ warfare). [In fact, research has determined that the event depicted by Picasso in "Massacre in Korea" did occur. See this newspaper article]. He turned enthusiastically to sculpture, pottery, and print-making, and, in his later years, preoccupied himself with a series of mistresses and girlfriends, changing his style to express his love for each one, and, finally, making superb evocations of the works of old masters like Diego Velazquez. Whatever Picasso had a hand in turned out to have an unquenchable spark of utter genius." written in 1999, after Hoving wrote this piece...although the claim of germ warfare is still unsubstantiated.
Girl Before a Mirror, 1932
by Pablo Picasso 119.4 x 172.7 cmDance of Youth
by Pablo Picasso 61.0 x 91.4 cmFemme
by Pablo Picasso 91.4 x 121.9 cmFemme Au Jardin
by Pablo Picasso 61.0 x 78.7 cmDon Quixote
by Pablo Picasso 61.0 x 91.4 cmTete D'une Femme Lisant
by Pablo Picasso 61.0 x 81.3 cmThe Old Guitarist, c.1903
by Pablo Picasso 61.0 x 91.4 cmWomen Running on the Beach, 1922
by Pablo Picasso 78.7 x 61.0 cmPetite Fleurs
by Pablo Picasso 61.0 x 99.1 cmThe Rest
by Pablo Picasso 91.4 x 61.0 cmMusketeer and Cupid
by Pablo Picasso 61.0 x 81.3 cmVase with Fruits
by Pablo Picasso 71.1 x 88.9 cmFemme Au Balcon, 1937
by Pablo Picasso 61.0 x 78.7 cmBlue Nude, c.1902
by Pablo Picasso 61.0 x 91.4 cmGirl With Red Beret
by Pablo Picasso 61.0 x 78.7 cmL'atelier a Cannes
by Pablo Picasso 61.0 x 78.7 cmDora Marr
by Pablo Picasso 61.0 x 78.7 cmVive la Paix
by Pablo Picasso 58.4 x 91.4 cm
